- Domeniu: Art history
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Sketch club formato da Dadd, uovo, Elmore, Frith, Henry O'Neill e John Phillip circa 1837 quando tutti erano studenti presso la Royal Academy Schools di Londra. Era un'informale società degli amici senza un obiettivo specifico diverso da quello di migliorare il loro lavoro, sebbene essi favorito soggetti letterari e storici. Si sono tenute riunioni settimanali presso cui è stato scelto un soggetto e ogni fatto uno schizzo in bianco e nero. Una sessione di critica seguita e lo schizzo migliore della scelta di sera. Nel 1841 Dadd, Frith e uovo sono stati anche coinvolti nel tentativo di istituire una società espositrice per giovani artisti in opposizione all'Accademia. Essi sono stati doppiati 'i malcontenti' del pittore WB Scott e niente è venuto del regime. Nel 1843 Dadd assassinato suo padre e fu incarcerato in Bethlem Hospital per i pazzi e poi Broadmoor, per il resto della sua vita. Continuò a dipingere, producendo alcune delle più straordinarie opere fantasiose dell'arte britannica, tra cui keynote pittura Fairy.
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In Gran Bretagna ufficiale schemi sono stati stabiliti per gli artisti per registrare la prima e la seconda guerra mondiale. Durante la prima guerra mondiale, due flussi principali di attività prodotto arte ufficiale. L'Imperial War Museum, istituito dalla legge del Parlamento, nel 1917, fu incaricato di raccogliere tutti i tipi di materiali che documentano la guerra, tra cui art. Nel frattempo, il governo era anche messa in servizio e l'acquisto di arte per creare un record di e un memoriale di guerra attraverso dipinti commissionati dal meglio e, occasionalmente, gli artisti più all'avanguardia, britannici del giorno. Questi comprendevano Percy Wyndham Lewis, Paul Nash, CRW Nevinson, John Singer Sargent, Stanley Spencer e Sir William Orpen. Alla fine della guerra, queste collezioni sono state combinate presso l'Imperial War Museum. Durante la seconda guerra mondiale un approccio più strutturato alla raccolta di foto ufficiale è stata presa, quando la guerra artisti comitato consultivo, presieduto da Sir Kenneth Clark, è stato stabilito. Come nella guerra precedente, le immagini raccolte sono state esposte a Londra e in spettacoli in tour nazionale e internazionale. Nel 1946 un terzo dell'insieme è stato allocato per l'Imperial War Museum e il resto è stato distribuito ai musei e gallerie in tutto il Regno Unito e del Commonwealth. Oltre 300 artisti sono stati coinvolti, tra cui John Piper, Graham Sutherland, Henry Moore, Paul Nash e Stanley Spencer sul fronte interno e Anthony Gross, Edward Bawden ed Edward Ardizzone oltreoceano. Molto del lavoro prodotto è andato oltre la documentazione nel Regno dell'arte e l'Imperial War Museum art gallery è ben merita una visita. Il Museo continua ad artisti di guerra per registrare guerre in cui è coinvolta la Gran Bretagna della Commissione.
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Questo termine è associato con artisti che hanno documentato la dura realtà della vita britannica durante la depressione degli anni trenta. In un decennio dominato dalla disoccupazione di massa e deprivazione sociale, un nuovo radicalismo ha preso possesso della politica europea e artisti hanno risposto a questi eventi adottando uno stile realista che era facilmente comprensibile. Essi credevano che entrambi i movimenti d'arte dominante del tempo, astrazione e Surrealismo, erano troppo oscuri per comunicare efficacemente. In Gran Bretagna, quelli che hanno condiviso queste credenze riuniti presso l'associazione internazionale di artisti (AIA) e la scuola di Euston Road. Alcuni di questi artisti hanno lavorato con massa-osservazione, un organismo istituito per registrare la vita quotidiana della gente comune del lavoro.
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Gruppo post-impressionista britannica fondata nel 1911 da Sickert a Londra. Altri membri erano Bevan, Gore, Gilman, impresa di sgranatura. Dipinto realista scene della vita di città e qualche paesaggio negli stili di una gamma di post-impressionista. Il nome lo squallido quartiere di Londra Nord dove Sickert aveva vissuto nel 1890 e ancora dal 1907. La sua serie di nudi di Camden Town e i suoi dipinti di coppie alienate in interni, come noia, sono il suo eccezionale contributo all'arte di Camden Town.
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Significato di cannibalismo, come un'arte a termine si è associata con il movimento di arte brasiliana degli anni sessanta Tropicália. Artisti Hélio Oiticica, Lygia Clark, Rogério Duarte e Antonio Dias usato anthropophagia nel senso di un cannibalismo cultura e musica di altre società. Abbracciando gli scritti del poeta Oswald de Andrade (1890-1954), che scrisse il Manifesto Antropófago (Manifesto Cannibale) nel 1928, essi hanno sostenuto che la storia del Brasile di cannibalizzare altre culture era la sua più grande forza ed era stato modo della nazione di indipendenza asserzione più cultura coloniale europea. Il termine allude anche al cannibalismo come un rito tribale che una volta era praticato in Brasile. Le opere realizzate a seguito di questo concetto ha rubato loro influenze da Europa e America ma, in definitiva, erano radicate nel mondo politico e cultura del Brasile degli anni sessanta e settanta.
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Durante il grande depressione America degli anni trenta e quaranta, fotografi sono stati impiegati dalla Farm Security Administration (FSA) per documentare la povertà rurale e la valorizzazione di mezzadri e braccianti migranti nel tentativo di raccogliere sostegno per affare New di Presidente Franklin D. Roosevelt. Le fotografie sono state distribuite gratuitamente a giornali in tutto il paese e ha portato la situazione di sfollati delle comunità agricole all'attenzione del pubblico. Le immagini più famose sono state fatte da Dorothea Lange e Walker Evans, cui fotogrammi in bianco e nero di raccoglitori di frutta affamati in California è diventato simboli iconici della grande depressione.
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Derived from the Greek word (Haptesthai) meaning 'touch' or 'contact', haptic relates to the way in which humans interact by touch with the world around them. Artists use haptic technology to give the sensation of a physical presence to a virtual object. This can be manifested in several ways: via vibrations in sound installations or using computer software that has input devices that offer touch feedback. An example of this is a computer program that enables the user to paint a picture using virtual 3D brushes.
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Anche descritto come ambienti, il termine è usato per descrivere le costruzioni mista o assemblaggi di solito progettate per un luogo specifico e per un periodo temporaneo. Opere spesso occupano un'intera stanza o galleria spazio che lo spettatore ha invariabilmente camminare per impegnarsi completamente con l'opera d'arte. Alcune installazioni, tuttavia, sono progettate semplicemente per essere camminato intorno e contemplata, o sono così fragile che essi possono essere visualizzati solo da una porta o una estremità di una stanza. Arte installazione emerse dalla precedente forma dell'ambiente. Uno degli ideatori di ambienti è stato l'artista americano Allan Kaprow nelle opere realizzate da circa 1957 in poi. In un'intervista datata 1965 Kaprow ha detto del suo primo ambiente: ' ho semplicemente riempito tutta la galleria — quando hai aperto la porta ti sei trovato in mezzo a un intero ambiente — i materiali sono state varie: fogli di plastica, accartocciò cellofan, grovigli di Scotch tape, sezioni di smalto barrato e imbrattato e pezzi di stoffa colorata. «C'erano anche luci appese all'interno di tutto questo e ' cinque nastro macchine diffuse in tutto lo spazio giocato suoni elettronici che avevo composto. ' Materiali vari (tecnica mista), luce e suoni sono rimasti fondamentali all'arte di installazione. Da quella volta alla creazione di installazioni divenne un importante filone dell'arte moderna, sempre più da circa 1990, e molti artisti hanno fatto loro. Nel 1961 a New York, Claes Oldenburg ha creato un ambiente precoce, The Store, dal quale suo Counter e piastre con patate e prosciutto viene. Uno dei creatori di installazioni utilizzando luce eccezionali è James Turrell.
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Termine francese ha detto in generale sia stato coniato dal critico francese Philippe Burty dei primi anni 1870. È descritta la mania per l'arte giapponese e design che ha travolto la Francia e altrove, dopo il commercio con il Giappone, ripreso nel 1850, il paese avendo stato chiuso a ovest dal 1600 circa. La riscoperta dell'arte giapponese e design ha avuto un effetto quasi incalcolabile sull'arte occidentale. Lo sviluppo della moderna pittura dall'Impressionismo su profondamente è stato influenzato dalla planarità, colore brillante e alto grado di stilizzazione, combinata con la materia realista, della xilografia giapponese stampe. Progettazione allo stesso modo è stata colpita in movimento estetico e Art Nouveau. In Gran Bretagna il trasmettitore principale artista era Whistler, ma il designer Christopher Dresser e l'architetto William Godwin erano anche importanti.
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Fondato dall'artista rumeno-sopportato Isidore Isou alla metà degli anni quaranta, questo movimento d'avanguardia francese è stato associato con il ramo situazionista della famiglia anarchica e divenne l'arte che ha dominato il poster e barricate in Parigi primavera del 1968. Lettrisme è una forma di poesia visiva: utilizzando tecniche calligrafici ha cominciato da artisti sovrapponendo le lettere su vari oggetti, dai mobili alla pellicola. Questa pratica preannunciava la stratificazione e altre tecniche di computer, e per questo motivo a volte è denominato hypergraphie. Mail art e arte contemporanea di Graffiti, che condividono molte delle caratteristiche di base di Lettrisme, poteva dirsi fuori Lettrisme si sono evoluti.
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