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Desde la llegada del arte abstracto figurativo el término se ha utilizado para referirse a cualquier forma de arte moderno que conserva fuertes referencias al mundo real y particularmente a la figura humana. En un sentido general figurativo también aplica retrospectivamente a todo el arte antes de arte abstracto. Arte figurativo moderno puede verse distinto del realismo moderno en eso arte figurativo utiliza idiomas modernos, mientras que realistas modernos trabajan en estilos anteriores post impresionismo (más o menos). De hecho, es más o menos idéntico con la corriente general del expresionismo que puede rastrearse a través del siglo XX y el arte figurativo moderno. Picasso después de cerca de 1920 es el gran modelo de la moderna pintura figurativa, y Alberto Giacometti a partir de 1940 es el gran escultor figurativo. Después de la segunda guerra mundial figuración puede ser rastreada a través de la obra de Francis Bacon, Lucian Freud y otros artistas de la escuela de Londres y del arte Pop, neoexpresionismo y pintura nuevo espíritu.
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French phrase meaning end of century. As historical term applies specifically to end of nineteenth century and even more specifically to decade of 1890s. Umbrella term embracing Symbolism, Decadence and all related phenomena (e. G. Art Nouveau) which reached a peak in that decade. Almost synonymous with terms the Eighteen-Nineties, the Mauve Decade, the Yellow Decade, the Naughty Nineties. Fin de siècle however expresses apocalyptic sense of end of a phase of civilisation. Spirit exemplified in France by Toulouse-Lautrec, and in Britain Beardsley and Conder. Real end came not in 1900 but with First World War 1914. (See also Edwardian. )
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Movimiento artístico había lanzado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en 1909. El 20 de febrero publicó su manifiesto del futurismo en la portada del periódico Le Figaro de París. Entre los movimientos modernistas futurismo fue excepcionalmente vehemente en su denuncia del pasado. Esto era porque en Italia el peso de la cultura pasada era sentido como particularmente opresivo. En el manifiesto, Marinetti afirmó que 'liberaremos a Italia de sus innumerables museos que cubrirla como innumerables cementerios'. Lo que propusieron en su lugar los futuristas era un arte que celebra el mundo moderno de la industria y la tecnología: ' declaramos — una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras — es más hermoso que la victoria de Samotracia. ' (A celebrado escultura griega antigua en el Museo del Louvre de París). La pintura futurista utilizó elementos del neoimpresionismo y el cubismo para crear composiciones que expresa la idea del movimiento, de la vida moderna, el dinamismo y energía. Jefe artistas fueron Balla, Boccioni, Severini. Boccioni fue un importante escultor así como pintor.
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Escuela de Glasgow generalmente se refiere al círculo de artistas y diseñadores alrededor de Mackintosh en Glasgow desde mediados 1890 y 1910. Más notables fueron las hermanas Macdonald y Herbert MacNair y con Mackintosh eran conocidos como los cuatro. Hicieron una contribución distintiva y altamente influyente a Nouveau del arte internacional y se refieren a veces como la escuela del terror. Las formas de Glasgow Boys introducido del impresionismo a Escocia en la década de 1880 y 1890, desarrollando sus propias interpretaciones individuales, a menudo altamente coloreado. Así como pintura en Glasgow y sus alrededores buscaron las escenas de la vida rural y carácter en otras partes de Escocia. Los miembros principales del grupo incluyen Joseph Crawhall, Sir James Guthrie, George Henry, EA Hornel, Sir John Lavery y EA Walton.
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Grafito es una forma cristalina de carbón y es útil como herramienta de escritura y dibujo, ya que solamente la más mínima presión para dejar una marca. Sin embargo, como el grafito es suave y frágil que requiere alguna forma de la cubierta protectora. La fecha exacta y el origen de los primeros lápices de grafito se desconoce pero se cree que los primeros palos grafito revestidos en madera aparecieron alrededor 1565, poco después del descubrimiento del grafito natural en Cumberland en Gran Bretaña. Grafito también ocurre naturalmente en Siberia, Baviera en Alemania y en los Estados Unidos de América. Puede, sin embargo ser hecho artificialmente por calefacción cocas a altas temperaturas, conocido como el proceso de Asheson. Grafito tiene una textura grasosa y es aburrido color gris metálico. Grafito es un material estable y permanente, pero se puede quitar fácilmente utilizando una goma de borrar. Grafito se conoce hoy como 'lápiz' o a veces 'lápiz'. Este nombre surgió porque antes del descubrimiento del grafito, plomo había sido utilizado desde la antigüedad como un instrumento de escritura. Grafito fue pensado para ser una forma de plomo hasta 1779, cuando KW Scheele, químico sueco, descubrió que el supuesto plomo utilizado en lápices, era en realidad una forma de carbón mineral. Fue nombrado 'grafito' de la palabra griega para la escritura. El lápiz del término se deriva de la palabra latina para cepillo, 'penicillum'.
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Término que apareció en la década de 1970 para describir un resurgimiento del particularmente alta fidelidad de realismo en la pintura y la escultura en aquel momento. También llamado Super-realismo y en la pintura es sinónimo de fotorealismo. En la escultura el destacado practicante era Duane Hanson, junto con John de Andrea. Más recientemente la obra de Ron Mueck y algunos de los de Robert Gober podrían ser vistos como Hyper-realista. Principales pintores fueron Chuck Close, Robert Bechtle, Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings.
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El diseño de las mercancías producidas en serie, hecho a máquina. La palabra fue utilizada primero en Estados Unidos en la década de 1920 para describir el trabajo de diseñadores de especialista que ha trabajado en diseño de producto. Antes, introducción de Henry Ford en 1913 de la línea de producción a la industria del automóvil y posteriormente a la producción de otra mercancía, condujo a un movimiento en el mundo del arte para tratar de arte y tecnología de soldadura juntos. Constructivismo en Rusia y la Bauhaus en Alemania fueron inspirados por la nueva era de las máquinas; poniendo énfasis en la forma que sigue crearon diseño que tenía una forma abstracta y geométrica.
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Término utilizado para describir obras de arte mixta que ocupan un espacio de habitación o Galería entero y en el cual el espectador puede entrar normalmente. Algunas instalaciones, sin embargo, están diseñados simplemente para ser paseado y contempla, o son tan frágiles que sólo puede verse desde una puerta o un extremo de una habitación. Instalación artística surgió de la forma anterior del medio ambiente. Uno de los creadores de ambientes fue el artista estadounidense Allan Kaprow en obras realizadas desde 1957 y en. En una entrevista sin fecha Publicada en 1965 Kaprow dijo de su entorno primero: ' simplemente llené la Galería — cuando abrió la puerta se encontró en medio de un entorno completo — los materiales fueron variados: hojas de plástico, arrugado celofán, enredos de cinta adhesiva, secciones de esmalte acuchillado y embadurnar y pedazos de tela color '. También hubo luces colgadas dentro de todo esto y 'extensión alrededor del espacio jugado sonidos electrónicos que yo había compuesto de cinco máquinas de cinta'. Diversos materiales (mixta), luz y sonidos han seguido siendo fundamentales para el arte de la instalación. De ese tiempo en la creación de instalaciones se convirtió en una gran cadena en el arte moderno, cada vez más de cerca de 1990, y muchos artistas han hecho. En 1961 en Nueva York, Claes Oldenburg creó un ambiente temprano, la tienda, de la cual su contador y placas con patata y jamón viene. Uno de los destacados creadores de instalaciones mediante luz es James Turrell.
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Término utilizado para describir la cultura del reinado de James I (reinó 1603-25) particularmente teatro (y hasta muebles) así como pintura. Gran miniaturista isabelino Hilliard continúa pero logró el favor real de Oliver. Del mismo modo Gheeraerts floreció pero alcanzado por naturalismo más sofisticado de origen holandés Van Somer y entonces Mytens (pronunciados mitones) de unos 1616.
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En 1913 asumió el control del grupo Camden Town la función de organizar exposiciones de arte moderno en Gran Bretaña. Su objetivo declarado era ' avanzar en la conciencia pública sobre el arte visual contemporáneo mediante la celebración de exposiciones anualmente'. Su primer presidente fue Harold Gilman, uno de los principales pintores de Camden Town. Como una sociedad exhibiendo el grupo de Londres fue específicamente en la oposición el conservadurismo de la Real Academia. Fue también en la oposición del Club nuevo arte español que, una vez vanguardista, había llegado a ser conservador. Su fuerza era que lo abrazó todo el espectro del arte moderno en Gran Bretaña en el tiempo, que abarca a Camden Town, Bloomsbury y Vorticismo. La primera exposición se celebró en 1914 en la Galería Goupil de Londres. Esta y las próximas exposiciones pocos incluyeron algunos de los iconos del arte moderno británico de la época. Entre éstos estaba en el asidero de Bomberg, taladro de roca de Epstein y anti-guerra de Gertler pintando el carrusel. El grupo de Londres floreció en la década de 1920, cuando el pintor Bloomsbury y el crítico Roger Fry desempeñaron un papel prominente, manteniendo su apoyo a los principios del arte moderno francés. Desde 1930 perdió gradualmente su preeminencia como el escaparate para el arte moderno en Gran Bretaña, pero el grupo aún existe y exposiciones.
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