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Un distrito de plazas tranquilas cerca del centro de Londres. Su nombre se utiliza comúnmente para identificar un círculo de intelectuales y artistas que vivieron allí en el período 1904-40. Los intelectuales incluyeron el biógrafo Lytton Strachey, el economista Maynard Keynes, el novelista Virginia Woolf y el crítico de arte Clive Bell. Los principales artistas fueron Vanessa Bell, Roger Fry, quien también fue un crítico muy influyente, y Duncan Grant. Bloomsbury estaba en rebelión contra todo lo victoriano y desempeñó un papel clave en la introducción de muchas ideas modernas en Gran Bretaña. En 1910 Fry organizó en Londres la exposición Manet y los postimpresionistas que trajo el arte francés moderno para la atención de la opinión pública británica. Los visitantes del salón fueron debidamente escandalizados por las muchas obras de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Matisse y Picasso. Los pintores de Bloomsbury creados su propia marca distintiva del Postimpresionismo y alrededor de 1914 experimentaron con el arte abstracto. Fry también fundó el diseño firme Omega talleres para que los artistas de Bloomsbury cerámica, muebles, telas e interiores. Tenga en cuenta que Bloomsbury resistido a ser clasificado como un grupo.
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Una sustancia natural, no se seca, alquitranada utilizada en mezclas de pintura, especialmente para enriquecer la aparición de tonos oscuros. Betún se hizo muy popular como una pintura aditiva a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Sin embargo, porque no secarlo eventualmente causa a menudo severas oscurecimiento y el agrietamiento de la pintura. Esto puede verse por ejemplo en el trabajo de Sir Joshua Reynolds, Henry Fuseli y Sir Thomas Lawrence.
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Originally a French term, meaning in English, vanguard or advance guard (the part of an army that goes forward ahead of the rest). Applied to art, means that which is in the forefront, is innovatory, which introduces and explores new forms and in some cases new subject matter. In this sense the term first appeared in France in the first half of the nineteenth century and is usually credited to the influential thinker Henri de Saint-Simon, one of the forerunners of socialism. He believed in the social power of the arts and saw artists, alongside scientists and industrialists, as the leaders of a new society. In 1825 he wrote: 'We artists will serve you as an avant-garde' the power of the arts is most immediate: when we want to spread new ideas we inscribe them on marble or canvas' What a magnificent destiny for the arts is that of exercising a positive power over society, a true priestly function and of marching in the van (i. E. Vanguard) of all the intellectual faculties!' Avant-garde art can be said to begin in the 1850s with the Realism of Gustave Courbet, who was strongly influenced by early socialist ideas. This was followed by the successive movements of modern art, and the term avant-garde is more or less synonymous with modern. Some avant-grade movements such as Cubism for example have focused mainly on innovations of form, others such as Futurism, De Stijl or Surrealism have had strong social programmes. The notion of the avant-garde enshrines the idea that art should be judged primarily on the quality and originality of the artists vision and ideas.
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El método central del surrealismo. Este movimiento fue lanzado por el poeta francés que André Breton, en el manifiesto del surrealismo publicado en París en 1924. Fue fuertemente influenciado por las ideas de Sigmund Freud, el fundador del psicoanálisis. Automatismo es igual a la libre asociación, el método utilizado por Freud para explorar la mente inconsciente de sus pacientes. En el manifiesto, Breton en realidad define surrealismo como "automatismo psíquico puro — el dictado del pensamiento en ausencia de todo control preocupaciones ejercitadas por la razón y fuera de toda moral o estéticas. El objetivo era acceder a material de la mente inconsciente. Los ejemplos más tempranos son los escritos automáticos de Breton y otros, producidos por simplemente escribir tan rápido como posible lo que viene a la mente. Collage surrealista, inventado por Max Ernst, fue la primera forma de automatismo visual, en el que armó imágenes recortadas de revistas, catálogos de productos, ilustraciones, anuncios y otras fuentes para crear una nueva realidad extraña. En la pintura diversas formas del automatismo entonces fueron desarrolladas por artistas como Miró, Masson, así como Ernst. Más tarde condujo al expresionismo abstracto de Pollock y otros y fue un elemento importante en los movimientos europeos de Art Informel y Arte Nucleare.
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Una traducción literal de la palabra francesa 'atelier' es estudio o taller. Estudio individual del artista era también un lugar donde la enseñanza de los jóvenes artistas llevó a cabo esta función poco a poco fue suplantada por el ascenso de la Academia. A principios del siglo XX, algunos talleres convertido en lugares de producción comunitaria, particularmente en Alemania, donde surgió el deseo de unificar el arte con la producción industrial. En 1919 Walter Gropius fundó la Bauhaus en un intento de casarse con las artes con la tecnología de la edad mecánica. Atelier a menudo indica un grupo de artistas, diseñadores o arquitectos trabajando colectivamente. Atelier 5 es una firma de arquitectura Suiza fundada en 1955 e inspirada en las visiones de Le Corbusier; la base de Rotterdam Atelier Van Lieshout, fundada por Joep van Lieshout es un grupo de artistas que idear modos alternativos de vivir y trabajar.
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Término aplicado a las nuevas formas de arte abstracto desarrollado por pintores americanos en 1940 y 1950. Los expresionistas abstractos se basaban principalmente en la ciudad de Nueva York y también llegó a ser conocidos como la escuela de Nueva York. El nombre evoca su objetivo de hacer arte que mientras Resumen también fue expresivo o emocional en su efecto. Estaban inspirados por la idea surrealista que arte debe venir de la mente inconsciente y por el automatismo de Miró. Dentro de expresionismo abstracto fueron dos grandes agrupaciones. Estos fueron los llamados pintores acción liderados por Pollock y De Kooning y los pintores de bloques de color, especialmente Rothko, Newman y todavía. Los pintores de acción trabajó de forma espontánea improvisación a menudo usando pinceles grandes para hacer el barrido marcas gestuales. Pollock famosamente colocó su lienzo en el suelo y bailó alrededor de verter pintura directamente de la lata o lo que se arrastra desde el pincel o un palillo. De esta manera colocaron directamente sus impulsos interiores en el lienzo. Los pintores de campo color estaban profundamente interesados en la religión y mito. Crearon composiciones sencillas con grandes áreas de un solo color destinado a producir una respuesta contemplativa o meditativa en el visor.
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Realista británico moderno grupo formado en 1938 de artistas, todos los cuales tampoco enseñó o estudió en la escuela de pintura y dibujo en 316 Euston Road en Londres. Estaban en reacción consciente contra estilos vanguardistas. En cambio, afirmaron la importancia de las materias tradicionales de una manera realista de la pintura. Esta actitud se basó en una agenda política para crear un arte ampliamente comprensible y socialmente relevante. Algunos de ellos eran miembros del partido comunista. Sin embargo su trabajo no era propagandista de la manera del realismo socialista. Los artistas eran Graham Bell, William Coldstream, Lawrence Gowing, Rodrigo Moynihan, Victor Pasmore y Claude Rogers.
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Johann Muschik utilizó por primera vez el término 'Phantastischer realismus' (realismo fantástico) en la década de 1950 para describir un grupo de pintores trabajando en Viena que había conocido en la Akademie der Bildenden Künste después de la segunda guerra mundial. El grupo consistía de Arik Brauer, Ernst Fuchs, Rudolf Hausner, Wolfgang Hutter y Antón Lehmden y fue inspirado por su profesor Albert Paris Gütersloh, quien pintó cuadros que combinan la precisión pictórica de los viejos maestros con un interés en los movimientos de arte moderno y el psicoanálisis. Las imágenes resultantes eran visiones oníricas del subconsciente pintado de una manera realista. Gran parte del arte se basaba en las experiencias traumáticas de la segunda guerra mundial, de la cual los artistas intentaron escapar en sus pinturas fantásticas.
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Nombre dado a la pintura de Matisse, Derain y su círculo de 1905 y 1910. Se llamaban les fauves — las bestias salvajes — debido a su uso de colores estridentes y aparentemente salvajes pinceladas. Sus temas fueron simplificadas altamente por su trabajo también fue bastante abstracto. Fauvismo puede verse como una extensión extrema del Postimpresionismo de Van Gogh combinados con el neoimpresionismo de Seurat. Fauvismo también puede verse como una forma de expresionismo. El nombre fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles cuando su trabajo fue demostrado por primera vez en el Salon d ' automne de París en 1905. Otros miembros del grupo fueron Rouault, Dufy, Braque, Vlaminck.
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Puede ser definido como arte por mujeres artistas hicieron conscientemente a la luz de los desarrollos en la teoría feminista del arte desde alrededor de 1970. En 1971 la historiadora Linda Nochlin publicó un ensayo innovador 'por qué tener allí ha No grandes mujeres artistas?'. En él investigó los factores sociales y económicos que habían impedido que las mujeres con talento logrando el mismo estatuto que sus homólogos masculinos. Por la década de 1980 los historiadores del arte como Griselda Pollock y Rozsika Parker iban más lejos, para examinar el lenguaje de la historia del arte con sus términos cargados de género como el viejo maestro y maestra. Cuestionaron el lugar central del desnudo femenino en el canon occidental, preguntando por qué hombres y mujeres están representadas tan diferente. En sus 1972 libro maneras de ver la crítica marxista John Berger había concluido ' los hombres miran a las mujeres. Reloj de las mujeres ellos mismos se vieron '. En otras palabras el arte occidental replica las desiguales relaciones ya incrustadas en la sociedad. Arte feminista siguió una trayectoria similar. En lo que a veces se conoce como arte feminista primera ola, mujeres artistas le encantaba experiencia femenino, explorando las imágenes vaginales y sangre menstrual, posando desnuda como figuras de la diosa y desafiantemente utilizando los medios de comunicación como el bordado que había sido considerado 'trabajo de mujer'. Una de las grandes obras emblemáticas de esta fase del arte feminista es la fiesta de Judy Chicago, 1974-79. Artistas feministas posteriores rechazaron este enfoque y trataron de revelar el origen de nuestras ideas de feminidad y feminidad. Persiguieron la idea de feminidad como una mascarada — un conjunto de posturas adoptadas por las mujeres para ajustarse a las expectativas sociales de la feminidad.
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